segunda-feira, 14 de dezembro de 2015
terça-feira, 24 de novembro de 2015
PERFIL: Bee Gees
BEE GEES
Perfil
Os Bee Gees foram uma banda formada pelos irmãos Barry,Robin e Maurice Gibb. Nascidos na Ilha de Man, viveram alguns anos em Chorlton,Manchester,Inglaterra. Ainda crianças se mudaram com os pais para Brisbane, em Queensland, na Austrália. Fazem sucesso desde 1966, estando entre os maiores vendedores de discos em todos os tempos.
Passaram por diversos ritmos musicais, do rock psicodélico às baladas, passando pelo country rock, pela música disco, pelo R&B, pela música romântica, terminando no pop rock moderno. Venderam aproximadamente 140 milhões de discos. Foram incluídos no Hall da fama de grupos vocais, no Hall da Fama do Rock and Roll, no Hall da Fama dos Compositores e ganharam dez prêmios Grammy.
O álbum Saturday Night Fever (trilha sonora do filme Embalos De Sábado A Noite, no Brasil, ou Febre de Sábado à Noite, em Portugal) é a segunda trilha sonora mais vendida de todos os tempos e atualmente ocupa a 7.ª colocação como álbum mais vendido da história com mais de 42 milhões de cópias, de acordo com a revista Billboard: 300 Best-selling Albums of All-Time.
Passaram por diversos ritmos musicais, do rock psicodélico às baladas, passando pelo country rock, pela música disco, pelo R&B, pela música romântica, terminando no pop rock moderno. Venderam aproximadamente 140 milhões de discos. Foram incluídos no Hall da fama de grupos vocais, no Hall da Fama do Rock and Roll, no Hall da Fama dos Compositores e ganharam dez prêmios Grammy.
O álbum Saturday Night Fever (trilha sonora do filme Embalos De Sábado A Noite, no Brasil, ou Febre de Sábado à Noite, em Portugal) é a segunda trilha sonora mais vendida de todos os tempos e atualmente ocupa a 7.ª colocação como álbum mais vendido da história com mais de 42 milhões de cópias, de acordo com a revista Billboard: 300 Best-selling Albums of All-Time.
O grupo possui muitos recordes pela Billboard Hot 100 entre esses, estão em oitavo lugar entre os artistas com mais canções que ficaram em primeiro lugar nas paradas, o seu álbum Saturday Night Fever ficou em segundo lugar, entre os álbuns com mais canções que ficaram em primeiro lugar, perdendo apenas para o álbum Bad de Michael Jackson e Teenage Dream de Katy Perry. São os artistas que tiveram mais músicas em primeiro lugar nos anos 70 com nove canções no total, estão em segundo lugar entre os artistas com mais canções consecutivas em primeiro lugar com seis músicas, entre 1975 e 1979, são terceiro lugar entre os artistas que ocuparam simultaneamente o primeiro e segundo lugares com as músicas Night Fever e Stayin' Alive, e ainda Barry Gibb está em quarto lugar entre os produtores com mais canções que ficaram em primeiro lugar com 14 músicas e também aparece na quarta colocação entre os compositores com mais canções que ficaram em primeiro lugar, com 16 músicas ao todo, perdendo apenas para Paul McCartney (32), John Lennon (26) e Mariah Carey (17). O Hall da Fama do Rock and Roll diz em uma citação: "Somente Elvis Presley, The Beatles, Michael Jackson, e Paul McCartney superam os Bee Gees em recordes e vendas".
Os Bee Gees são uma das bandas que mais arrecadaram na história da música, e são considerados por grande parte da crítica musical, a segunda maior banda da história pelo conjunto de sua obra (composições, produções e gravações), perdendo apenas para os Beatles.
BIOGRAFIA
De 1946 a 1957 — nascimento e iniciação no mundo da música
O grupo é formado por três irmãos, filhos de dois músicos regionais ingleses, Hugh Gibb e Barbara Pass, pais de mais duas crianças. Primeiro, o casal teve uma filha, Lesley Barbara Gibb, nascida em 12 de janeiro de 1945 em Manchester. Depois, a família se mudou para Douglas, na Ilha de Man. Lá nasceram os três integrantes dos Bee Gees: Barry Alan Crompton Gibb, em 1 de setembro de 1946; Robin Hugh Gibb e Maurice Ernest Gibb, gêmeos, em 22 de dezembro de 1949 e alguns anos depois, em 1958, Andrew Roy Gibb, o filho mais novo.
A família viveu em Douglas até 1955, quando voltaram a Manchester, vivendo na localidade de Keppel Road. Em 1956, os pais descobriram o talento musical dos filhos. Barry Gibb ganhou sua primeira guitarra, e rapidamente aprendeu a tocar. Maurice e Robin começaram a cantar e descobriram uma harmonia entre suas vozes. Incentivados pelo pai, os irmãos começaram a cantar nas ruas e em alguns "shows de talentos" promovidos por escolas, teatros e cinemas.
Em março de 1958, nasceu o último filho de Hugh e Barbara Gibb: Andrew Roy Gibb, ou simplesmente Andy Gibb, que, futuramente, também iria ingressar no mundo da música, entretanto não como um "Bee Gee". Ainda em 1958, a família emigrou para a Austrália, vivendo na cidade de Brisbane. Lá começaram a tocar em clubes noturnos com relativa audiência.
Até ali, o grupo ainda não tinha nome fixo. Primeiramente, adotaram alguns nomes como The Blue Cats e The Rattlesnakes que, entretanto, não vingaram. Em 1959, um DJ chamado Bill Gates sugeriu-lhes o nome de "Bee Gees", já que em sua opinião havia muitos "B's" e "G's" na vida deles (exemplo: Barbara Gibb, a mãe deles; Barry Gibb, esse DJ; Brothers Gibb...). Mais tarde, em 1966, adotaram o nome sugerido pelo DJ: Bee Gees.
Em 1959, começaram a tocar em programas de televisão, passando a ficar conhecidos entre o povo australiano.
De 1961 a 1970 - Os primeiros sucessos e as primeiras brigas
Em 1961, Barry acabou os estudos e a família se mudou para a área de Surfers Paradise, gastando bom tempo entre 1961 e 1962 se apresentando em hotéis e clubes noturnos. Em setembro de 1962, o grupo participou numa audição com Col Joye, grande artista australiano da época e seu irmão e empresário Kevin Jacobsen. Impressionado com o talento daquelas crianças, Kevin conseguiu uma grande apresentação para eles, junto do grande artista do momento, Chubby Checker, o que deu visibilidade e prestígio aos jovens.
Kevin conseguiu também com que os Bee Gees assinassem seu primeiro contrato musical com a maior gravadora de artistas independentes da Austrália, a Festival Records, sob a etiqueta Leedon, usando o nome Bee Gees. Inicialmente, quase chegaram a falir, mas com o sucesso Wine And Women, que chegou ao Top 20 em 1965, puderam gravar seu primeiro disco, The Bee Gees Sing and Play 14 Barry Gibb Songs.
Em 1966, os Bee Gees lançaram Spicks and Specks, já pela etiqueta Spin, também da Festival Records. Em janeiro de 1967, entusiasmados com o sucesso dos Beatles, os Bee Gees decidiram retornar à Inglaterra. Partiram em um navio, onde tocavam em troca das passagens. Foi à bordo do navio que souberam que o single "Spicks And Specks", chegara ao topo das paradas australianas, era o primeiro "number one" dos Bee Gees.
Ao chegarem na Inglaterra, começaram a procurar uma nova editora. Hugh Gibb decidiu começar pela "maior de todas" e mandou, otimista, um material para a NEMS, que era simplesmente a produtora dos Beatles. O pacote enviado por Hugh naturalmente ficou numa pilha com muitos outros de centenas de grupos com o mesmo sonho. Entretanto, o novo diretor da NEMS, era o australiano Robert Stigwood e justamente por ser australiano, deu atenção especial ao ver um pacote vindo de seu país, decidiu ouvir o material da banda, acabou gostando do que ouviu e contratou os Bee Gees, os posicionando na gravadora inglesa Polydor. Depois de conquistarem a Austrália, estava tudo pronto para os Bee Gees conquistarem a Europa.
Com as apresentações ao vivo ficando cada vez mais frequentes, foi necessário montar uma banda e dois amigos foram chamados: Colin Petersen para a bateria e Vince Melouney para a guitarra. A partir do contrato com a Polydor, eles entraram como membros permanentes dos Bee Gees. Podem ser vistos nas capas dos discos e nos clipes dos anos 60. A formação ficou a seguinte: Barry (Guitarra e Voz), Robin (Piano e Voz), Maurice (Baixo e Voz), Colin (Bateria) e Vince (Guitarra).
O primeiro single mundial da banda, lançado já pela Polydor, foi New York Mining Disaster 1941 em abril de 1967. Lançado de maneira inusitada, representou um verdadeiro golpe de marketing: o artista vinha escrito como "Be…es", levando as pessoas a pensarem que era uma nova música dos Beatles. As pessoas compravam, acabavam gostando e depois descobriam que, em vez dos Beatles, eram os Bee Gees. Mas a canção que realmente lançou o trio ao estrelato foi Massachusetts, de novembro de 1967, que foi o primeiro single a chegar ao topo das paradas mundiais, em mais de dez países.
Até o fim da década de 1960, o grupo formou um quinteto de rock, com influências do country e do soul e letras românticas. Com essas características, conseguiram outros sucessos: "To Love Somebody", em 1967, Words e I've Gotta Get a Message to You em 1968, além de I Started a Joke, a primeira canção dos Bee Gees a chegar no primeiro lugar no Brasil, em 1968.
No fim de 1968, os Bee Gees gravaram o álbum Odessa, lançado em 1969 contando com os singles First Of May e Melody Fair, o disco culminou na trágica separação do grupo. Robin decidiu sair da banda, pois alegava que Robert Stigwood dava mais prioridade a Barry, Vince Melouney o acompanhou. Colin Petersen ainda manteve-se na banda e gravou algumas canções com Barry e Maurice, mas só permaneceu até agosto de 1969, quando foi despedido, sendo substituído por Geoff Bridgeford, que mais tarde também sairia do grupo. Os irmãos hoje reconhecem que não tinham maturidade suficiente para encararem o sucesso com tão pouca idade, com 20 anos já estavam ganhando muito dinheiro, eram perseguidos por mulheres e conviviam diariamente com drogas e álcool, a receita foi fatal, uma batalha interna entre egos culminou com uma forte briga, que separou os Bee Gees.
Ainda em 1969, Robin gravou seu primeiro disco solo, que lançaria em 1970, com o sucesso Saved By The Bell. Barry e Maurice continuaram e gravaram como Bee Gees até dezembro de 1969, e o álbum resultante dessas gravações foi Cucumber Castle, com o single Don't Forget to Remember lançado em abril de 1970. "Cucumber Castle" também virou seriado de televisão, sem sucesso.
Os Bee Gees começaram o ano de 1970 separados, entretanto, aos poucos o grupo voltou a gravar junto, e os projetos solo foram deixados de lado. Após a reaproximação, os irmãos lançaram 2 Years On, que só tem três faixas compostas pelos três Gibb's, mas que incluía o grande sucesso Lonely Days, uma música reflexiva do período em que ficaram separados. A partir deste momento, a configuração do grupo como "trio" foi fixada, apenas os três apareceriam nas capas dos discos, o restante dos músicos seriam contratados conforme a necessidade para tocar ao vivo.
De 1971 a 1980 - quase falência, ressurgimento, mudança de estilo e o auge
O início dos anos 70 foi bom para o grupo. Em 1971, com o lançamento do álbum Trafalgar, a banda teve seu primeiro grande sucesso nos Estados Unidos: a balada How Can You Mend a Broken Heart?, primeiro lugar na maior parte das paradas do continente e a terceira mais ouvida no Brasil em 1971. No ano seguinte foi a vez de Run to Me conquistar a Europa e a América Latina.
Apesar dos recentes sucessos a carreira da banda estava em declínio. Os Bee Gees continuavam com um ritmo "rock sessentista", que já estava ficando fora de moda com o fim dos Beatles. O "Funk" e "Soul" norte-americanos eram o "ritmo do momento".
Em 1973, sem ligar para as tendências do mercado fonográfico, lançaram o disco Life in a Tin Can, e foram bombardeados pela crítica. Mesmo com o fracasso anterior, os Bee Gees ainda gravaram outro álbum, A Kick in the Head is Worth Eight in the Pants, a teimosia os castigou, acabaram sendo censurados nas principais rádios da Europa: "De repente, ninguém mais sabia quem eram os Bee Gees" - conta Barry. O baque foi determinante para o grupo perceber que estavam precisando de novos ares, do contrário, iam a falência.
Ainda em 1973, por sugestão do amigo Eric Clapton, foram viver nos Estados Unidos. Lá contrataram o produtor Arif Mardin, em substituição a Robert Stigwood. Mardin mostrou-lhes as tendências do momento e os Bee Gees lançaram, em 1974, o disco Mr. Natural, o primeiro com uma levada mais soul. Entretanto, com toda a decadência que os Bee Gees tinham sofrido nos anos anteriores, o disco foi praticamente esquecido pela mídia, sendo crucificado como o menos vendido da carreira do grupo. Mesmo assim, "Mr.Natural" é considerado um marco na carreira dos irmãos, afinal simboliza uma mudança completa na concepção fonográfica da banda.
Em 1975, com enorme receio devido as experiências anteriores, lançaram Main Course, um disco extremamente bem trabalhado. O álbum devolveu os Bee Gees as paradas, com os sucessos Jive Talkin, Nights on Broadway e Fanny (Be Tender with My Love). Nessa época, o grupo KC And The Sunshine Band fazia sucesso com That's the Way (I Like It), e os Bee Gees decidiram apostar nesse estilo. Em 1976, lançaram Children of the World, considerado como o "primeiro álbum disco music" da banda, que continha a balada Love So Right e o hit You Should Be Dancing, um clássico do gênero. Foram nestes dois discos que surgiram o famoso "falsete" (voz aguda) de Barry Gibb, que alguns anos depois se tornaria marca registrada do grupo.
Em 1976 lançaram seu primeiro álbum ao vivo: Here at Last... Bee Gees... Live. Apesar de não serem mais produzidos por Robert Stigwood, mantinham grande amizade com o produtor, que agora estava trabalhando com cinema. Em 1976, Stigwood convidou o grupo para participar da trilha sonora de Saturday Night Fever, mal sabiam que aquele simples convite, os faria explodir para o mundo inteiro no ano seguinte.
O filme Os Embalos de Sábado à Noite virou um marco cultural dos anos 70, e o álbum com a trilha sonora do filme bateu todos os recordes de vendagens possíveis (segundo a Billboard, é o quinto álbum mais vendido da história da música, com 37 milhões de unidades). Na época do seu lançamento manteve-se por ano no topo das vendagens, sendo superado apenas quando Michael Jackson lançou o álbum Thriller.
As músicas Stayin' Alive, More Than a Woman, How Deep Is Your Love e Night Fever alcançaram o primeiro lugar em vários países do mundo. O grupo também assinou a faixa If I Can't Have You, sucesso na voz de Yvonne Elliman. Além de todo esse sucesso com a trilha do filme, escreveram também a música Emotion, que foi sucesso na voz de Samantha Sang. Barry ainda compôs em 1978 a faixa título do filme musical Grease - Nos Tempos da Brilhantina, interpretada por Frankie Valli. Entre 1977 e 1979, ninguém superava os Bee Gees, em qualquer rádio, no mundo inteiro.
A participação dos irmãos na trilha sonora de Os Embalos de Sábado à Noite lhes rendeu 6 prêmios Grammy, sendo 1 em 1978 por How Deep Is Your Love (melhor performance vocal pop), 4 em 1979 (álbum do ano, melhor performance vocal pop, melhor arranjo vocal e produtor do ano), além de um Grammy Hall of Fame Awards em 2004. Em 1978, também convidados por Robert Stigwood, os Bee Gees participaram do filme musical Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, baseado no álbum homônimo dos Beatles, o filme, que contava com participações de Alice Cooper, Aerosmith, Earth, Wind & Fire e outros artistas, foi um fracasso. "Vamos pular essa parte" refere-se Robin Gibb, quando o filme é mencionado.
Em 1979, os Bee Gees lançaram o álbum Spirits Having Flown onde mostraram sua força e emplacaram vários sucessos, como Tragedy, Love You Inside Out, Reaching Out e Too Much Heaven. O álbum vendeu mais de 30 milhões de unidades. Neste ano, os Bee Gees deram início a turnê Spirits, que passou por mais de 100 cidades, em diversos países do mundo. Um avião com o logotipo da álbum e o nome "Bee Gees" levava o grupo.
Os irmãos terminaram a década de 1970 como artistas consagrados, o título "reis da disco music" se fez justo, diante das grandes vendagens do grupo durante a última metade da década. Porém, outros estilos e grupos queriam despontar. Para a indústria da música e da comunicação, os Bee Gees e o estilo disco já estavam monopolizando o mercado fonográfico por muito tempo. Estavam, portanto, "atrapalhando", e era preciso abrir espaço para outros estilos e cantores. Os Bee Gees foram rapidamente estigmatizados e condenados. De repente, era proibido gostar de Bee Gees: "Escute-nos hoje! Não vamos tocar Bee Gees!", anunciava uma rádio.
Os irmãos Gibb, naturalmente, estavam desgastados pela excessiva exposição na mídia, além de esgotados psicologicamente e até fisicamente pela pressão da fama e dos compromissos. Não conseguiram manter tal sucesso por mais tempo. E, ao menor sinal de queda, foram estigmatizados pela crítica como cantores e compositores medíocres (este fato é reconhecido hoje como real e injustificável).
A partir deste momento, os irmãos decidiram dar uma pausa na carreira, e começaram a trabalhar como produtores para outros artistas. Assim, se dividiram em dois grupos, contudo sem deixar de comporem juntos, para produzirem discos a serem lançados em 1980. Robin e Maurice produziram o disco Sunrise para Jimmy Ruffin. Em contrapartida, Barry produziu After Dark para Andy Gibb e Guilty para Barbra Streisand, que vendeu mais de 20 milhões de cópias no mundo inteiro e rendeu um Grammy de melhor performance vocal pop por um grupo ou duo, além de outras 4 indicações.
De 1981 a 1990 - Hiato, trabalhos solo e retorno definitivo
Em 1981, o grupo decidiu novamente reunir-se e lançar um disco: Living Eyes. A mídia já estava "saturada" com os irmãos Gibb, que foi durante quase três anos assunto diário nos tabloides, e o processo de renovação se fazia necessário. Assim, os Bee Gees, antes protagonistas na maioria das rádios americanas, passaram a ser censurados, sob alegação que o público queria ouvir rock e já estava cansado de "disco music". Mesmo que o álbum não conte com nenhuma música "dançante", e tenha uma qualidade indiscutível, foi simplesmente esquecido pelos jornais e magazines americanos, recebendo apenas atenção na Ásia.
Em uma última tentativa de reviver a disco music, a indústria cinematográfica decidiu lançar, em 1983, o filme Staying Alive, uma espécie de continuação para "Os Embalos De Sábado À Noite". O filme contava com John Travolta como estrela principal e, por força de contrato, os Bee Gees foram chamados para compor a trilha sonora. O resultado foi mais um fracasso, a maioria dos estudiosos considera este como o "último ato" da disco music, ali culminou-se o fim de uma era, que marcou a vida de quem era jovem nos anos 70.
Em meados dos anos 1980, as equipes começaram a desenvolver diversos trabalhos. A equipe de Robin e Maurice se concentrou em álbuns solo para Robin. Já a equipe liderada por Barry buscou a produção musical para outros artistas. As tentativas solo renderam certo sucesso que, porém, ficou restrito à Europa, Japão e América Latina. Baladas como Juliet (trabalho de Robin Gibb, de 1983), Shine, Shine (Barry Gibb, de 1984) e Like a Fool (Robin Gibb, de 1985) nunca estouraram nos Estados Unidos, mas são conhecidas mundialmente. Já outras canções como Hold Her in Your Hand (Maurice Gibb, de 1984), Fine Line (Barry Gibb, de 1984) e Toys (Robin Gibb, de 1986) ficaram bem apagadas, sem estourar em quase nenhuma parte do mundo.
As investidas das equipes renderam trabalhos bem vistosos para Dionne Warwick, Kenny Rogers, Diana Ross e Carola. Para Dionne, a equipe de Barry produziu Heartbreaker, que tornou-se um dos melhores discos da cantora, com destaques para a faixa título, All The Love In The World e Yours[desambiguação necessária]. Para Kenny Rogers, foi produzido Eyes That See in the Dark, que gerou sucessos como You And I e Islands In The Stream, esta última com gigante sucesso ainda até os dias de hoje, alcançando o título de "música country mais vendida de todos os tempos".
Para Diana Ross, foi feito o álbum Eaten Alive, do qual foi destaque a faixa "Eaten Alive", que conta com a participação de Michael Jackson nos backing vocals e teclados. Já para Carola Häggkvist, brotou o disco Runaway, sucesso absoluto com as canções The Runaway e Radiate na Suécia (país natal da cantora), e que rendeu a ela dois discos de platina. Ou seja, mesmo com a rejeição e afastamento da mídia, os Bee Gees ainda colecionavam sucessos, agora como compositores e produtores.
Em 1985, os Bee Gees começaram a se reaproximar, mas ainda não era a volta definitiva. Houve ainda algumas investidas em direção a produção para outros artistas e projetos solo, até que em outubro de 1986, os Bee Gees assinam com a Warner, voltando então a trabalhar juntos. Em 1987, lançaram o álbum E.S.P, que os devolveu ao primeiro lugar em boa parte do mundo (ainda não nos Estados Unidos), com o mega hit You Win Again, uma canção energizante com uma forte batida pop típica dos anos 80. Em 1988,
Barry, em um último trabalho como produtor na época, assinou a trilha sonora do filme Hawks. No mesmo ano, a família sofreu um abalo com a morte do irmão mais novo Andy Gibb, que sofria de uma problema cardíaco agravado após anos de uso de drogas e álcool. Em 1989, lançaram o álbum One, e voltaram a conquistar popularidade nas rádios americanas com os singles One, Ordinary Lives e Wish You Were Here (em português: "Eu Queria que Você Estivesse Aqui", homenagem ao irmão falecido no ano anterior). O disco ficou no Top 10 por quase um ano, e originou a turnê One For All, que percorreu a Europa, Ásia e Austrália, sendo registrada em VHS e posteriormente lançada em DVD.
O ano de 1989 marcou a volta dos Bee Gees a mídia norte-americana, dez anos depois de serem duramente censurados. O caminho estava aberto para serem reconhecidos nos anos 90, como "uma das maiores bandas de todos os tempos".
De 1991 a 2000 - Reconhecimento e premiações
Em março de 1991, é lançado o álbum High Civilization, com um som bastante experimental, moderno e contemporâneo, repleto de efeitos eletrônicos. Comenta-se entre os fãs que este é um álbum conceitual, porém isto nunca foi confirmado de fato por nenhum dos irmãos. O álbum obteve grande sucesso na Alemanha e mais alguns países da Europa, lançando o hit single Secret Love, além de singles como Happy Ever After e a poderosa balada The Only Love. Esse sucesso concentrado na Europa Ocidental resultou na turnê High Civilization Tour no mesmo ano.
Em setembro de 1993, mais um álbum é lançado, Size Isn't Everything, com os singles Paying The Price Of Love, How To Fall In Love, Pt. 1, e a balada For Whom The Bell Tolls, até hoje muito tocada nas rádios. Neste mesmo ano o canal Vh1 apresentou um show especial dos Bee Gees, intitulado "Center Stage", a apresentação foi exibida em todos os países onde o canal era transmitido. Chegaram a regravar no mesmo ano a música Words com a dupla sertaneja brasileira Chitãozinho e Xororó, gravaram a música e fizeram um video-clipe sucesso que no Brasil foi chamado de Palavras (Words) e conquistou o topo das paradas de sucesso do Brasil e rendeu alguns prêmios para a dupla brasileira .
Em 1996, o grupo participou do especial Storytellers do canal Vh1 com versoes acústicas de seus sucessos. Em março de 1997 lançam Still Waters, após quase 3 anos de produção e composição. O disco, com um som bem mais moderno e maduro, é considerado como um dos melhores do grupo e alcançou vendagens superiores a 10 milhões de unidades, seu maior sucesso desde a fase Disco. Com Alone[desambiguação necessária], voltaram ao topo das paradas nos Estados Unidos, ganhando disco duplo de platina. Outro single de muito sucesso do álbum foi a balada I Could Not Love You More.
Neste mesmo ano de 1997, os irmãos lançaram um documentário sobre sua carreira chamado Keppel Road e começaram a turnê One Night Only, em celebração aos 30 anos de carreira internacional, com a proposta de fazer "apenas uma noite" em cada continente, todos os shows foram transmitidos ao vivo por redes de televisões locais. Um desses shows, realizado no luxuoso hotel MGM Grand Las Vegas, foi lançado em DVD e CD no ano seguinte. Este mesmo show: "Bee Gees - One Night Only" é grande sucesso de vendas até hoje em todo o mundo, sendo um dos discos mais vendidos e populares da história do grupo.
Ainda em 1997, os Bee Gees compuseram, cantaram e produziram um mega hit para Celine Dion, Immortality, que permaneceu durante um ano nas paradas de todo mundo. Os anos 90 foram marcados pelo reconhecimento da indústria, crítica e mídia à carreira dos Bee Gees. Em 1994 foram induzidos ao Songwriters Hall of Fame (Hall Da Fama dos Compositores) e em 1997, por ironia do destino, foram induzidos ao Rock N' Roll Hall Of Fame (mesmo sem nunca terem sido considerados como uma banda de rock). Além destes importantes títulos, os Bee Gees receberam mais 10 outros prêmios em vários cantos do mundo.
De 2001 a 2008 - Morte de Maurice, fim do grupo e trabalhos solo
Em 2001, lançaram o que foi o seu último álbum, This Is Where I Came In, um álbum pop rock, em que se destaca a canção/título "This Is Where I Came In", "Wedding Day", "Sacred Trust" e "Man In The Middle", álbum que também teve repercussão localizada em países diferentes: sucesso na Europa, frieza na América, estouro na Ásia.Gravaram no mesmo ano o Dvd Live By Request e um documentário em Dvd completo sobre a vida deles, tendo o mesmo nome de seu último álbum This Is Where I Came In. No final de 2001 foi lançado a coletânea Their Greatest Hits: The Record, uma reuniao dos maiores sucessos da banda e novas versões para Heartbreaker[desambiguação necessária], que foi lançada como single para promoção do álbum, Emotion, Island In The Stream e mais a versão demo para Immortality, na voz de Barry. A coletânea foi um grande sucesso ficando entre os mais vendidos em vários países. Depois, os Bee Gees decidiram dar um tempo. Em 2002, Robin Gibb gravou seu quinto álbum solo, Barry Gibb gravou algumas canções com Michael Jackson, que nunca foram lançadas e Maurice Gibb estava trabalhando com sua equipe de PaintBall. Entretanto, uma tragédia acontece em 12 de Janeiro de 2003: de ataque cardíaco, morre Maurice Gibb; curiosamente sua irmã Leslie faz aniversário nesse dia. Maurice tinha a fama de ser o mediador entre as mentes conflitantes de Barry e Robin. Estes então anunciaram o fim do grupo, no dia 22. Durante sua carreira, os Bee Gees ganharam dez prêmios Grammy e foram incluídos no Songwriters Hall of Fame (Hall da Fama dos Compositores), em 1997, no Hall da Fama do Rock and Roll entre muitos outros.
Os irmãos continuaram seu trabalho de forma solo. E, mesmo com a morte do irmão, Robin lançou um disco solo em 2003, o álbum Magnet, que vem com diversas baladas modernas, e que chegou a ser bem difundido na Europa com o single Please. No mesmo ano a música Wedding Day, integrou a trilha sonora do filme Até Que Os Parentes Nos Separem (The In Laws), com Michael Douglas. Robin trabalhou no ano seguinte com Alistair Griffin na releitura de My Lover's Prayer, do álbum Still waters de 1997. Ainda em 2004 foi lançada a primeira coletânea ou seja, o primeiro lançamento de um álbum dos Bee Gees após a morte de Maurice Gibb, intitulado de Number Ones, contando com suas musicas que chegaram ao primeiro lugar nas paradas e mais o single Man In The Middle em tributo a Maurice. Em 2005, Robin Gibb trabalhou com o grupo G4 na releitura de First Of May. Produziu o single de lançamento de uma das ex-integrantes da banda Atomic Kitten, com sucesso estrondoso na Inglaterra e Europa e mais uma coletânea lançada: Love Songs. Entre 2004 e 2006, Robin saiu em turnê pelo mundo, turnê esta que foi chamada Magnetic Tour, da qual um dos concertos foi registrado em CD e DVD e lançado em 2005.
Em 2004 os irmãos Gibb receberam o título Doutor Honoris Causa da Universidade de Manchester e a Comenda de Cavaleiros do Império Britânico, em Londres. Barry trabalhou compondo e produzindo para Cliff Richard, em 2004, e para Barbra Streisand, em 2005, revivendo o sucesso de 1980. O álbum Guilty Pleasures, produzido para ela, foi bem visto em todo o mundo e icluia os singles Come Tommorow em dueto com Barry e Stranger in The Strange Land. Ainda em 2005, a dupla relançou o álbum Guilty, como edição especial de 25 anos, com Cd e DVD, o que fez com que Barry aparecesse na mídia mais uma vez.
Em 2006, os irmãos se reuniram para uma apresentação beneficente em Miami e para o Prince's Trust em Londres. Receberam no mesmo ano um prêmio da Academia Britânica da Música. Mas nada disso é fonte de união dos irmãos. No mesmo ano, a dupla assina com a Reprise Records, que começa a relançar um a um os álbuns da banda. Seguindo solo, Barry começa a lançar várias músicas no iTunes: lança seus novos singles Doctor Mann e Underworld e as demos dos álbuns produzidos por ele na década de 1980 — The Guilty Demos, The Heartbreaker Demos, The Eyes That See in the Dark Demos e The Eaten Alive Demos. Robin lançou, em novembro, seu último álbum: My Favourite Christmas Carols, que contém vários hinos natalinos mais a faixa Mother of Love, sua mais nova composição. Ainda em 2006, os Bee Gees assinaram com a Rhino Records, subsidiaria da Warner Bros, que relançou vários de seus álbuns e com um destaque para a coleção Studio Álbuns que incluía os três primeiros discos do grupo: First[desambiguação necessária], Horizontal e Idea com bônus e canções inéditas.
Em 2007, Barry e Robin gravaram um documentário sobre a repercussão de suas músicas no filme Saturday Night Fever, lançado em DVD no mesmo ano em comemoração aos 30 anos de lançamento do filme. Já Barry lançou em 2007 seu single country Drown on the River, que esteve na trilha do filme Deal (no Brasil, o filme foi nomeado Negócios e Trapaças. O ano marcou o relançamento do álbum Greatest de 1979, porém com o áudio remasterizado e bônus inéditos, com destaque para as versões remix de Stayin' Alive e If I Can't Have You, que estourou nas paradas da Europa.
Em 2008, Robin seguiu em sua carreira solo se apresentando em vários países cantando sucessos dos Bee Gees e de sua carreira solo e lançando quatro singles: Alan Freeman Days, Wing and a Prayer, Ellan Vannin e Stayin' Alive, esse último em dueto com a cantora russa Valeryia. Enquanto isto, Barry participou do novo álbum de Olivia Newton-John, na música The Heart Knows e participou do single da cantora Jamie Jo, U Turn Me On.
No início de 2009, o álbum Odessa foi relançado com material bônus e cancões inéditas, apresentando um aspecto diferente, e novo pack-age.
2009 a 2012 - Anúncio da volta aos palcos e morte de Robin
Robin preparou seu novo álbum solo 50 St Catherine's Drive, mas adiou seu lançamento para outros projetos com os Bee Gees e em março de 2009 participou da nova versão da música Islands in the Stream, junto com Tom Jones e a dupla country Byrns & Nessa, alcançando mais uma vez o primeiro lugar nas paradas inglesas, tornando os Gibb's os únicos compositores a ter pelo menos uma música no topo das paradas em 5 décadas distintas (60s, 70s, 80s, 90s e 2000s). Barry estava preparando ainda em seu 3º álbum solo, com lançamento previsto para 2009, o que também nao ocorreu, devido ao retorno dos Bee Gees. Tudo indicava que um álbum country estava a caminho. Constantemente Barry participou de chats com fans em seu site oficial e se apresentou no Love and Hope Ball, interpretando os sucessos dos Bee Gees, com participações de Olivia Newton-John e seu filho Steve Gibb. Em março de 2009, Barry se apresentou no Sound Relief em Sidney, na Austrália, interpretando os grandes sucessos dos Bee Gees, novamente ao lado de Olivia Newton-John, show que ainda conta com apresentações de vários artistas como a banda Coldplay. O show foi lançado em DVD na Austrália.
As esperanças sobre uma volta do grupo começaram em 2009, com Robin e Barry trabalhando conjuntamente em um musical dos Bee Gees a ser lançado e, em julho, participando de uma homenagem feita pela Rhino em comemoração aos 50 anos de carreira na Inglaterra. Além disso, eles fizeram uma apresentação juntos, sob o nome de Bee Gees, tocando seus maiores sucessos em Manchester, Inglaterra. Robin, então, deu uma entrevista à rádio britânica BBC revelando que é a volta definitiva dos Bee Gees aos palcos, dizendo que ele e Barry já estão se preparando para uma grande turnê.
Ainda em 2009, os irmãos decidiram lançar duas coletâneas. A primeira, Ultimate Bee Gees: The 50th Anniversary Collection traz dois discos, um de músicas dançantes e outro de românticas, todas sucessos da carreira da banda. A edição de luxo traz ainda um DVD com clipes da banda totalmente remasterizado, iniciativa inédita do grupo. A outra, Mythology, estava planejada para ser lançada junto com a primeira, no dia 3 de novembro de 2009, mas foi adiada para 2010; ela traz quatro discos, cada um contendo músicas interpretadas por cada irmão Gibb, inclusive Andy. A coletânea Mythology ainda conta com canções inéditas na voz de Andy Gibb e Maurice Gibb. Para a divulgação da coletânea Ultimate, os Bee Gees iniciaram no final de Outubro uma série de apresentações na televisão. É a primeira apresentaçao dos Bee Gees na mídia após 07 anos, excetuando a apresentação em 2006, no Prince's Trust.
Em 20 de novembro de 2011, foi anunciado que Robin Gibb, de 61 anos de idade, fora diagnosticado com câncer de fígado. Ele já tinha ficado notavelmente mais magro com o passar do tempo e cancelou várias aparições públicas. Ele só apareceu em um evento em 13 de fevereiro de 2012, quando participou de um show para levantar fundos para ajudar veteranos do exército britânico.
Em 14 de abril de 2012, Robin contraiu pneumonia e foi internado em um hospital em Chelsea, Londres, e entrou em coma. Ele acordou em 20 de abril de 2012, mas acabou piorando consideravelmente pouco tempo depois. Robin faleceu em 20 de maio do mesmo ano. Com sua morte, Barry Gibb se tornou o último membro sobrevivente do grupo.Em setembro, Barry saiu em turnê que seria em "honra do seu irmão e da música".
FONTE DE INFORMAÇÕES:
Wikipedia : BEE GEES
PERFIL: Jimi Hendrix
Bom dia amigos amantes da boa música,
hoje iniciarei uma série de perfis sobre astros da música internacional e nacional. Para começar com o pé direito, vamos falar dessa verdadeira lenda insuperável da guitarra: JIMI HENDRIX.
JIMI HENDRIX
Perfil
Nome: James Marshall Hendrix
Nascimento: 27/11/1942
Origem: Seattle - Washington
País: EUA
Data da morte: 18/09/1970
Gênero(s) musicais: Hard Rock, Blues Rock,Acid Rock, Rock psicodélico,Blues
Período de atividade: 1963-1970
Afiliações:
- The Jimi Hendrix Experience
- Gipsy Sun and Rainbows
- Band of Gipsys
- The Isley Brothers
- Little Richard
- Curtis Knight and the Squires
História
James Marshall “Jimi” Hendrix, (27 de novembro de 1942; 18 de setembro de 1970) foi um guitarrista estadunidense, cantor, compositor e produtor que é amplamente considerado um dos mais importantes guitarristas da história do rock. Como guitarrista, ele se inspirou nas inovações de músicos do blues tais como B. B. King, Albert King e T-Bone Walker, assim como nos guitarristas de R&B (rhythm and blues) tais como Curtis Mayfield. Ademais, ele ampliou a tradição da guitarra no rock: apesar de guitarristas anteriores, como Dave Davies (do The Kinks), e Pete Townshend (do The Who) terem empregado recursos como o “feedback” (realimentação), distorção e outros efeitos especiais, Hendrix, graças às suas raízes no blues, na soul-music e no R&B, foi capaz de usar estes recursos de uma forma que transcendia suas fontes. Ele também foi um letrista cujas composições foram tocadas por inúmeros artistas. Como produtor musical, foi um dos primeiros a usar o estúdio de gravação como extensão das suas ideias musicais. Finalmente, a sua importância como estrela do rock coloca-o ao nível de figuras como Chuck Berry, John Lennon (dos Beatles), Elvis Presley e Mick Jagger (dos Rolling Stones).
Em Seattle, Washington, cresceu tímido e sensível. Tal como os seus contemporâneos ingleses John Lennon e Paul McCartney (que mais tarde formariam os Beatles), Hendrix foi profundamente afetado por problemas familiares - o divórcio dos seus pais em 1951 e a morte de sua mãe em 1958, quando ele tinha 16 anos. Era muito afeiçoado à sua avó materna, que possuía sangue cherokee, e que incutiu no jovem Jimi um forte sentido de orgulho de seus ancestrais nativos norte-americanos. No mesmo ano, o seu pai Al deu-lhe um “ukelele” (instrumento de 4 cordas, introduzido no Havaí pelos portugueses (emigrados do arquipélago da Madeira) no século XVII. É muitíssimo semelhante ao cavaquinho brasileiro.), e posteriormente comprou, por US$ 5, uma guitarra acústica, pondo-o no caminho da sua futura vocação.
Depois de tocar com várias bandas locais de Seattle, Hendrix alistou-se no exército, juntando-se à 101-a Divisão Aerotransportada (101st Airborne Division) baseada em Fort Campbell, Kentucky, a 80 km da cidade de Nashville, no Tennessee, como pára-quedista. Serviu por menos de 1 ano e recebeu dispensa médica após fraturar o tornozelo em um salto.
Em Seattle, Washington, cresceu tímido e sensível. Tal como os seus contemporâneos ingleses John Lennon e Paul McCartney (que mais tarde formariam os Beatles), Hendrix foi profundamente afetado por problemas familiares - o divórcio dos seus pais em 1951 e a morte de sua mãe em 1958, quando ele tinha 16 anos. Era muito afeiçoado à sua avó materna, que possuía sangue cherokee, e que incutiu no jovem Jimi um forte sentido de orgulho de seus ancestrais nativos norte-americanos. No mesmo ano, o seu pai Al deu-lhe um “ukelele” (instrumento de 4 cordas, introduzido no Havaí pelos portugueses (emigrados do arquipélago da Madeira) no século XVII. É muitíssimo semelhante ao cavaquinho brasileiro.), e posteriormente comprou, por US$ 5, uma guitarra acústica, pondo-o no caminho da sua futura vocação.
Depois de tocar com várias bandas locais de Seattle, Hendrix alistou-se no exército, juntando-se à 101-a Divisão Aerotransportada (101st Airborne Division) baseada em Fort Campbell, Kentucky, a 80 km da cidade de Nashville, no Tennessee, como pára-quedista. Serviu por menos de 1 ano e recebeu dispensa médica após fraturar o tornozelo em um salto.
Não há nenhum registo médico no exército americano sobre a dispensa de Hendrix. Em 2005, Charles Cross, que foi autor da biografia do líder dos Nirvana, Kurt Cobain, publicou no seu livro “Room Full of Mirrors” que o guitarrista alegou estar apaixonado por um dos seus colegas do seu agrupamento numa visita ao serviço psiquiátrico em 1962, em Fort Campbell (Estado do Kentucky).
Era mentira, segundo Cross, que relata a preferência do músico por mulheres. “Ele queria apenas escapar do exército para se dedicar à música.”
Hendrix, que se alistou como voluntário para a guerra do Vietnã, nunca esteve em combate, porém as suas gravações tornaram-se favoritas entre os soldados que lutavam lá. Inicialmente levou uma vida precária tocando em bandas de apoio a músicos de soul e blues como Curtis Knight, B. B. King, e Little Richard em 1965. Sua primeira aparição destacada foi com os Isley Brothers, principalmente no “Testify” em 1964.
Em 14 de outubro de 1965, Hendrix assinou um contrato de gravação por três anos com o empresário Ed Chalpin, recebendo US$1 e 1% de direitos em gravações com Curtis Knight. Este contrato causou mais tarde sérios problemas entre Hendrix e outras companhias de gravação.
Por volta de 1966 ele já tinha sua própria banda, Jimmy James and the Blue Flames que incluia Randy Califórnia (mais tarde guitarrista do Spirit), e uma residência no Cafe Wha? na cidade de Nova Iorque. Foi durante este período que Hendrix conheceu e trabalhou com a cantora e guitarrista Ellen McIlwaine e com o guitarrista Jeff “Skunk” Baxter (mais tarde integrante dos grupos Steely Dan e The Doobie Brothers) assim como o iconoclasta Frank Zappa, cuja banda The Mothers of Invention tocava no Garrick Theatre, no Greenwich Village novaiorquino. Foi Zappa que apresentou Hendrix ao recém-criado pedal de “wah-wah”, um pedal de efeito sonoro do qual Hendrix rapidamente se tornou mestre notável e que se transformou em parte integrante de sua música.
Foi enquanto tocava com o “The Blue Flames” no Cafe Wha? que Hendrix foi descoberto por Chas Chandler, baixista do famoso grupo de rock britânico The Animals. Chandler levou-o para a Inglaterra, levou-o a um contrato de agenciamento e produção com seu produtor musical e ajudou-o a formar uma nova banda, The Jimi Hendrix Experience, com o baixista Noel Redding e o percussionista Mitch Mitchell.
Durante as suas primeiras apresentações em clubes de Londres, o nome da nova estrela espalhou-se como fogo pela indústria musical britânica. Os seus shows e musicalidade criaram fãs rapidamente, entre eles os guitarristas Eric Clapton e Jeff Beck, assim como os Beatles e o The Who, cujos produtores imediatamente encaminharam Hendrix para o selo que produzia o The Who, a Track Records. O primeiro “single” desta parceria, uma regravação de “Hey Joe”, se tornou quase que um padrão para as bandas de rock da época.
Mais sucesso veio em seguida, com a incendiária “Purple Haze” e com a balada “The Wind Cries Mary”. Estas duas e ainda “Hey Joe” chegaram na época ao chamado “Top 10”. Agora, finalmente estabelecido no Reino Unido como importante estrela de rock, Hendrix e sua namorada Kathy Etchingham mudaram-se para uma casa no centro de Londres, que um dia pertencera ao compositor barroco Georg Friedrich Handel(antigo compositor clássico)
1967 viu o lançamento do primeiro álbum do grupo, Are You Experienced?, cuja mistura de baladas (“Remember”), pop-rock (“Fire”), psicodelia (“Third Stone From The Sun”), e blues tradicional (“Red House”) seria uma espécie de amostra de seu trabalho posterior. Hendrix foi levado para o hospital com queimaduras depois de pôr fogo em sua guitarra pela primeira vez no Astoria Theatre, em Londres, em 31 de março daquele ano. Ele foi posteriormente advertido pelo administrador do Rank Theatre management para controlar suas exibições no palco depois de causar danos a amplificadores e outros equipamentos no palco.
Com o forte apelo de Paul McCartney, integrante do “Festival Pop de Monterey” (Monterey Pop Festival), o Jimi Hendrix Experience foi agendado para apresentar-se naquele festival, e o concerto, onde ficou notória a imagem de Hendrix pondo fogo e quebrando sua guitarra, foi imortalizado pelo cineasta D.A. Pennebaker no filme Monterey Pop. O festival de Monterey foi um triunfante retorno. E foi seguido de uma abortada apresentação de abertura para o grupo pop The Monkees, em sua primeira turnê americana.
Os Monkees pediram a presença de Hendrix simplesmente por serem seus fãs. Infelizmente, porém, a sua plateia predominantemente adolescente não se interessou pelas bizarras apresentações de Hendrix no palco, e ele abruptamente interrompeu a digressão depois de algum tempo, exactamente quando “Purple Haze” começava a estourar nas paradas norte-americanas. Chas Chandler mais tarde admitiu que ter “caído fora” da turnê dos Monkees foi planeado para ganhar o máximo de impacto de mídia e de afronta para Hendrix. Na época, circulou uma história afirmando que Hendrix tinha sido retirado da digressão devido a reclamações de que sua conduta no palco era “lasciva e indecente”, reclamações estas que teriam sido feitas feitas pela organização conservadora de mulheres Daughters of the American Revolution. De fato, a história era falsa: a coisa foi forjada pela jornalista australiana Lillian Roxon, a qual acompanhava a turnê junto como o namorado e cantor Lynne Randell, outro coadjuvante. A afirmação foi zombeteiramente repetida na famosa ‘Rock Encyclopedia’ de Roxton em 1969, porém mais tarde ela admitiu que a coisa foi fabricada.Enquanto isso, de volta à Inglaterra, sua imagem de “selvagem” e de cheio de recursos para chamar atenção (tal como tocar a guitarra com os dentes e com ela às costas) continuava a trazer-lhe notoriedade, apesar de ele ter começado a se sentir mais e mais frustrado, devido à concentração da mídia e das platéias em suas atuações no palco e em seus primeiros sucessos, e pela crescente dificuldade em ter suas músicas novas também aceitas.
1967 também viu o lançamento do seu segundo álbum. Axis: Bold as Love continuou o estilo estabelecido por Are You Experienced, com faixas como “Little Wing” e “If 6 Was 9” mostrando a continuidade de sua maestria com a guitarra. No entanto, um percalço quase impediu o lançamento do álbum - Hendrix perdeu a fita com a gravação “master” do lado 1 do LP depois de acidentalmente tê-la esquecido num táxi. Com a proximidade do prazo fatal de lançamento, Hendrix, Chandler e o engenheiro de som Eddie Kramer foram forçados a fazer às pressas uma remixagem a partir das gravações multi-canais, o que eles conseguiram terminar numa verdadeira maratona noturna. Esta foi a versão lançada em dezembro de 1967, apesar de Kramer e Hendrix mais tarde terem dito que nunca ficaram totalmente satisfeitos com o resultado final.
Por volta dessa época, desavenças pessoais com Noel Redding, combinadas com a influência das drogas, álcool e fadiga, conduziram a uma problemática digressão na Escandinávia. A 4 de janeiro de 1968, Hendrix foi preso pela polícia de Estocolmo, após ter destruído completamente um quarto de hotel num ataque de fúria devido à embriaguez.
A terceira gravação da banda, o álbum duplo Electric Ladyland 1968, era mais ecléctico e experimental, incluindo uma longa seção de blues (“Voodoo Child”), a “jazzística” “Rainy Day, Dream Away”/”Still Raining, Still Dreaming” e aquela que é provavelmente a versão mais conhecida da música de Bob Dylan “All Along the Watchtower”.
A gravação do álbum foi extremamente problemática. Hendrix se decidira por voltar aos EUA e, frustrado pelas limitações da gravação comercial, decidiu criar seu próprio estúdio em Nova Iorque, no qual teria espaço ilimitado para desenvolver sua música. A construção do estúdio, batizado de “Electric Lady” foi cheia de problemas, e o mesmo só foi concluído em meados de 1970.
O trabalho antes disciplinado de Hendrix estava a tornar-se errático, e as suas intermináveis sessões de gravação repletas de aproveitadores finalmente fizeram com que Chas Chandler pedisse demissão em 1 de dezembro de 1968. Chandler posteriormente se queixou da insistência de Hendrix em repetir tomadas de gravação a cada música (a música Gypsy Eyes aparentemente teve 43 tomadas, e ainda assim Hendrix não ficou satisfeito com o resultado) combinado com o que Chas viu com uma incoerência causada por drogas, fez com que ele vendesse sua parte no negócio a seu parceiro Mike Jefferey. O perfeccionismo de Hendrix no estúdio era uma marca - comenta-se que ele fez o guitarrista Dave Mason tocar 20 vezes o acompanhamento de guitarra de All Along The Watchtower - e ainda assim ele sempre estava inseguro quanto a sua voz, e muitas vezes gravava seus vocais escondido no estúdio.
Muitos críticos hoje crêem que Mike Jefferey teve uma influência negativa na vida e na carreira de Hendrix. Comenta-se que Jefferey (que foi anteriormente empresário da banda The Animals) desviou boa parte do dinheiro que Hendrix ganhou durante a vida, depositando-o secretamente em contas no exterior. Também se crê que Jefferey tinha fortes ligações com os serviços de inteligência (ele se dizia agente secreto) e com a Máfia.
Apesar das dificuldades de sua gravação, muitas das faixas do álbum mostram a visão de Hendrix se expandindo para além do escopo do trio original (diz-se que este disco ajudou a inspirar o som de Miles Davis em Bitches Brew) e vendo-o colaborar com uma gama de músicos um tanto desconhecidos, incluindo Dave Mason, Chris Wood e Steve Winwood (da banda Traffic), ou o percussionista Buddy Miles e o ex-organista de Bob Dylan, Al Kooper.
A expansão de seus horizontes musicais foi acompanhada por uma deterioração no seu relacionamento com os colegas de banda (particularmente com Redding), e o Experience se desfez durante 1969. Suas relações com o público também vieram a tona quando em 4 de Janeiro de 1969 ele foi acusado por produtores de televisão de ser arrogante, após tocar uma versão improvisada de “Sunshine of your Love” durante sua participação remunerada no show da BBC1, Happening for Lulu
Em 3 de Maio ele foi preso no Aeroporto Internacional de Toronto depois que uma quantidade de heroína foi descoberta em sua bagagem. Ele foi mais tarde posto em liberdade depois de pagar uma fiança de 10.000 dólares. Quando o caso foi a julgamento Hendrix foi absolvido, afirmando com sucesso que as drogas foram postas em sua bolsa por um fã sem o seu conhecimento. Em 29 de Junho Noel Redding formalmente anunciou à mídia que havia deixado o Jimi Hendrix Experience, embora ele de fato já houvesse deixado de trabalhar com Hendrix durante a maioria das gravações de Eletric Ladyland.
Em Agosto de 1969, no entanto, Hendrix formou uma nova banda, chamada Gypsy Suns and Rainbows, para tocar no Festival de Woodstock. Ela tinha Hendrix na guitarra, Billy Cox no baixo, Mitch Mitchell na bateria, Larry Lee na guitarra rítmica e Jerry Velez e Juma Sultan na bateria e percussão. O show, apesar de notoriamente sem ensaio e desigual na performance (Hendrix estava, dizem, sob o efeito de uma dose potente de LSD tomada pouco antes de subir ao palco) e tocado para uma platéia celebrante que se esvaziava lentamente, possui uma extraordinária versão instrumental improvisada do hino nacional norte-americano, The Star Spangled Banner, distorcida e quase irreconhecivél e acompanhada de sons de guerra, como metralhadoras e bombas, produzidos por Hendrix em sua guitarra (a criação desses efeitos foi inovadora, expandindo para além das técnicas tradicionais das guitarras elétricas). Essa execução foi descrita por muitos como a declaração da inquietude de uma geração da sociedade americana,
O Gypsy Suns and Rainbows teve vida curta, e Hendrix formou um novo trio com velhos amigos, o Band of Gypsys, com seu antigo companheiro de exército, Billy Cox, no baixo e Buddy Miles na bateria, para quatro memoráveis concertos na véspera do Ano Novo de 1969/1970. Felizmente os concertos foram gravados, capturando várias peças memoráveis, incluindo o que muitos acham ser uma das maiores performances ao vivo de Hendrix, uma explosiva execução de 12 minutos do seu épico anti-guerra ‘Machine Gun’.
No entanto, sua associação com Miles não foi muito longa, e terminou repentinamente durante um concerto no Madison Square Garden em 28 de Janeiro de 1970, quando Hendrix foi embora depois de tocar apenas duas músicas, dizendo à platéia: “Desculpem por não conseguirmos nos entender”. Miles posteriormente declarou durante uma entrevista de TV que Hendrix sentia que estava perdendo evidência para outros músicos. Passou o resto daquele ano em gravações sempre que arranjasse tempo, frequentemente com Mitch Mitchell, e tentando levar adiante o projeto Rainbow Brigde, uma super ambiciosa combinação de filme/álbum/concerto no Havaí. Em 26 de Julho Hendrix tocou no Sick’s Stadium, em sua cidade natal, Seattle.
Em Agosto ele tocou no Festival da Ilha de Wight com Mitchell e Cox, expressando desapontamento no palco em face do clamor de seus fãs por ouvir seus antigos sucessos, em lugar de suas novas idéias. Em 6 de Setembro, durante sua última turnê européia, Hendrix foi recebido com vaias e zombarias por fãs, quanto se apresentou no Festival de Fehmarn, na Alemanha, em meio a uma atmosfera de baderna. O baixista Billy Cox deixou a turnê e retornou aos Estados Unidos depois de supostamente ter utilizado fenilciclidina (N.T. substância analgésica).
Hendrix permaneceu na Inglaterra, e a 18 de Setembro foi encontrado na cama do quarto de um hotel onde estava com uma namorada alemã, Monika Dannemann, desacordado após ter tomado nove pílulas para dormir, e asfixiando em seu próprio vômito. Ele morreu horas mais tarde em um hospital. Seu corpo foi mandado de volta para casa e foi enterrado no Greenwood Memorial Park, em Renton, estado de Washington, nos Estados Unidos.
Parte do estilo único de Hendrix se deve ao fato dele ter sido um canhoto que tocava uma guitarra para destros virada ao contrário, com as cordas colocadas para canhoto. Embora ele tivesse e usasse diversos modelos de guitarra durante sua carreira (incluindo uma Gibson Flying V que ele decorara com motivos psicodélicos), sua guitarra preferida, e que será sempre associada a ele, era a Fender Stratocaster, ou “Strat”. Ele comprou sua primeira Strat por volta de 1965, e usou-as quase constantemente durante o resto de sua vida.
Uma característica da Strat que Hendrix utilizou ao máximo foi a alavanca de trêmolo, patenteada pela Fender, que o habilitou a “entortar” notas e acordes inteiros sem que a guitarra saísse da afinação. O braço relativamente estreito da Strat, de fácil ação, foi também perfeito para o estilo envolvente de Hendrix e potencializou enormemente sua grande destreza - como pode ser visto em filmes e fotos, as mãos de Jimi eram tão grandes que lhe permitiam pressionar todas as seis cordas com apenas a parte de cima do seu polegar, e ele podia, pelo que dizem, tocar partes rítmicas e solos simultaneamente.
As Statocasters foram primeiramente popularizadas por Buddy Holly e pela banda britânica The Shadows, mas elas eram quase impossíveis de serem obtidas no Reino Unido até a metade da década de 60, devido às restrições de importação do pós-guerra. O surgimento de Hendrix coincidiu com o fim dessas restrições, e ele, de forma indiscutível, fez mais do que qualquer outro músico para tornar a Stratocaster a guitarra elétrica mais vendida na história. Anteriormente à sua chegada ao Reino Unido, a maioria dos músicos mais conhecidos utilizava guitarras Gibson e Rickenbacker, mas depois de Hendrix, quase todos os principais guitarristas, incluindo Jeff Beck e Eric Clapton, trocaram para as Fender Strats. Hendrix comprou várias Strats durante sua vida; ele deu várias de presente (incluindo uma dada ao guitarrista do ZZ Top Billy Gibbons) mas muitas outras foram roubadas e ele mesmo destruiu diversas delas em seus famosos rituais de queima da guitarra ao final dos shows.
As partes queimadas e quebradas de uma Stratocaster que ele destruiu no Miami Pop Festival em 1968 foram dadas a Frank Zappa, que mais tarde a reconstruiu e tocou com ela extensivamente durante os anos 70 e 80. Depois da morte de Zappa, a guitarra foi posta à venda pelo filho de Zappa, Dweezil. Em maio de 1992, Dweezil colocou a guitarra à leilão nos Estados Unidos, esperando faturar US$ 1 milhão de dólares, mas a venda não foi efetuada. Tentou novamente leiloá-la em Setembro, por 450 mil libras (em torno de 650 mil Euros), mas mais uma vez a venda não foi efetuada. A maior oferta feita por telefone, de 300 mil libras (em torno de 430 mil Euros) foi recusada. A lendária Strat branca de 1968 que Hendrix tocou no Woodstock foi vendida na Casa de Leilões Sotheby de Londres, em 1990, por £ 174 mil (em torno de 250 mil Euros). A guitarra foi re-vendida em 1993 por £ 750 mil.
Hendrix foi também um revolucionário no desenvolvimento da amplificação e dos efeitos com a guitarra moderna. Sua alta energia no palco e volume elevado com o qual tocava requeriam amplificadores robustos e potentes. Durante os primeiros meses de sua turnê inicial ele usou amplificadores Vox e Fender, mas ele rapidamente descobriu que eles não podiam aguentar o rigor de um show do Experience. Felizmente ele descobriu o alcance dos amplificadores de guitarra de alta potência fabricados pelo engenheiro de áudio inglês Jim Marshall e eles se mostraram perfeitos para as necessidades de Jimi. Assim como ocorreu com a Strat, Hendrix foi o principal promotor da popularidade das “Pilhas Marshall” e os amplificadores Marshall foram cruciais na modelagem do seu som pesado e saturado, habilitando-o a controlar o uso criativo de “feedback” (N.T. re-alimentação) como efeito musical.
Hendrix foi também constante na procura de novos efeitos de guitarra. Ele foi um dos primeiros guitarristas a se lançar além do palco a explorar por completo as totais possibilidades do pedal wah-wah. Ele também teve um associação muito proveitosa com o engenheiro Roger Mayer e fez uso extensivo de muitos dos dispositivos desenvolvidos por ele, incluindo a “Axis Fuzz Unit” , o “Octavia octavia doubler” e o “UniVibe”, uma unidade de vibrato desenvolvida para simular eletronicamente os efeitos de modulação dos alto-falantes Leslie. O som de Hendrix era uma mistura única de alto volume e alta força, controle preciso do “feedback” e uma variação de efeitos de guitarra cortantes, especialmente a combinação “UniVibe”-“Octavia”, que pode ser escutada na sua totalidade na versão ao vivo de ‘Machine Gun’ gravada pela ‘Band of Gypsys’.
A despeito da sua agitada agenda de turnês e seu perfeccionismo notório, ele era também um produtivo artista que deixou mais de 300 gravações inéditas, além de seus três LPs oficiais e vários compactos. Ele se tornou lendário como um dos grandes músicos de rock’n’roll da década de 60 que, tal como Janis Joplin, Jim Morrison e Brian Jones se lançaram para o estrelato, tiveram sucesso por apenas uns poucos anos, e morreram ainda jovens.
Jimi Hendrix foi um símbolo do movimento hippie e nunca esqueceremos sua musica e seu espirito de trabalhador exigente mas criativo acima de tudo.
Depois da morte de Hendrix, centenas de gravações inéditas começaram a surgir. O produtor Alan Douglas causou controvérsia quando supervisionou a mixagem, remasterização e lançamento de dois álbuns de material importante que Hendrix deixara para trás em diferentes estados de finalização. São os LPs “Crash Landing” e “Midnight Lightning”, e embora eles contenham várias faixas importantes, são álbuns considerados de qualidade abaixo do padrão; é quase certo que Jimi não os teria aprovado para lançamento se estivesse vivo.
Em 1972, o produtor britânico Joe Boyd montou um excelente filme documentário sobre a vida de Hendrix, que ficou em cartaz em cinemas ao redor do mundo por muitos anos. A trilha sonora dupla do filme, que incluía apresentações ao vivo em Monterey, Berkeley e Ilha de Wight é, provavelmente, a melhor das realizações póstumas.
Outro LP surgido nos anos 70 que valeu a pena foi a compilação ao vivo ‘Hendrix In the West’, que consiste de uma seleção das melhores gravações ao vivo em solo americano dos últimos dois anos de sua vida, incluindo uma brilhante execução da favorita nos concertos, a música “Red House”.
Embora o filme em si seja geralmente considerado pouco interessante, a trilha de ‘Rainbow Bridge’ prova que realmente é um item que vale a pena, e agora é item de colecionador. Ela inclui várias faixas que eram destinadas ao projeto de lançamento do quarto disco de estúdio de Hendrix, ‘First Rays of the New Rising Sun’, a sequência não completada de Eletric Ladyland. Essas faixas de estúdio, incluindo Dolly Dagger, Earth Blues, Room Full of Mirrors e a melancólica instrumental Pali Gap, mostram Hendrix avançando suas técnicas no estúdio a novos níveis, assim como absorvendo influências de “Black Soul” contemporâneo e do “Funk” de James Brown e Sly & The Family Stone.
O LP da trilha sonora de ‘Rainbow Bridge’ se destaca pela extensa versão ao vivo de outra das melhores apresentações de Hendrix, a versão elétrica de dez minutos do “stardard” do blues ‘Hear My Train A Comin’. Ele gravou originalmente essa música em 1967 para um filme promocional, tocando-a em caráter improvisado num blues ao estilo do “Delta” em um violão de 12 cordas emprestado. A versão eletrificada de 1970 (que permanece ao lado de ‘Machine Gun’ como sendo uma das suas melhores gravações ao vivo) mostra a música transformada, quase irreconhecivel; como ‘Machine Gun’, ela apresenta todos os elementos clássicos e algumas inspiradas improvisações do som elétrico de Hendrix. A faixa foi gravada ao vivo em um concerto no Centro Comunitário de Berkeley, na Califórnia; um pequeno trecho filmado dessa apresentação ao vivo foi também incluída no filme “Jimi Plays Berkeley”.
O interesse por Hendrix diminuiu um pouco nos anos 80, mas com o advento do CD, a Polygram e a Warner-Reprise começaram a relançar muitas das gravações de Hendrix em CD no fim dos anos 80 e início dos 90. Os primeiros relançamentos da Polygram foram de baixa qualidade e Eletric Ladyland teve prejuízo particular, sendo evidente a transferência das fitas originais do LP, com as faixas colocadas fora da sua ordem correta. Isso refletiu na ordem original do LP, um artefato dos dias em que os LPs duplos eram prensados com os lados um e três em um LP e e os lados dois e quatro no outro LP, para que os discos pudessem ser colocados em uma vitrola automática e tocados em sequência direto, somente trocando-os de lado uma vez.
A Polygram lançou em seguida um conjunto duplo de 8 CDs de qualidade superior com as faixas de estúdio em um conjunto de 4 CDs, e as apresentações ao vivo em outro. Isto foi seguido pelo lançamento de um conjunto de 4 Cds de apresentações ao vivo pela Reprise. Um documentário de áudio, originalmente feito para rádio e mais tarde lançado em 4 CDs também foi lançado por essa época e incluía muito material inédito.
No final dos anos 90, depois que o pai de Hendrix recuperou o controle sobre a propriedade de seu filho, ele e sua filha Janie estabeleceram a companhia “Experience Hendrix” para promover e cuidar de todo o extenso legado de gravações de Jimi. Trabalhando em colaboração com com engenheiro original de Jimi, Eddie Kramer, a companhia iniciou um extenso programa de relançamentos, incluindo edições totalmente remasterizadas dos álbums de estúdio e CDs de compilações de faixas remixadas e remasterizadas destinadas ao álbum ‘First Rays of New Rising Sun’. Em 1994, foi lançado a compilação chamada Blues. Em 1999, em comemoração ao aniversário de 30 anos do Festival de Woodstock, foi lançado o álbum duplo Live at Woodstock.
Até agora, a companhia “Experience Hendrix” faturou mais de US$ 44 milhões de dólares em gravações e “merchandising” associado.
Na falta de um testamento, Al Hendrix, pai de Jimi, herdou os direitos e “royalties” das gravações do filho, e confiou-os a um advogado, o qual supostamente enganou Al convencendo-o a vender esses direitos a companhias pertencentes a ele próprio. Al processou-o em 1993 por administrar de forma incompetente esses bens. O processo foi financiado pelo co-fundador da Microsoft, Paul Allen, um fã devoto de Hendrix de longa data. Em uma resolução de 1995, Al Hendrix finalmente recuperou o controle sobre todas as gravações do filho. Diversos álbuns foram então remasterizados a partir das fitas originais e relançados. Al Hendrix morreu em 2002 com 82 anos. O controle dos bens e da companhia Experience Hendrix, que fora montada para administrar o legado de Hendrix, passou então à meia-irmã de Jimi, Janie.
Em 2004, Janie Hendrix foi processada por seu meio-irmão, Leon Hendrix, irmão mais novo de Jimi, o qual foi deixado de fora do testamento de seu pai, em 1997. Ele buscava a restauração de sua parte na herança e a remoção de sua meia-irmã da posição de controle da propriedade de Hendrix.
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